Beyond the clouds

Sinopsis:

Estamos en una realidad alternativa donde durante la Segunda Guerra Mundial, Japón quedó dividida en dos partes. En el Aomori (controlado por las fuerzas de EE.UU) viven dos jóvenes, Hiroki y Takuya, siendo sus mayores intereses Sayuri y una gigantesca y misteriosa torre visible en el horizonte de Hokkaido (bajo el dominio de la Unión Soviética). Un día deciden construir su propio aeroplano y volar hasta la torre, pero una serie de eventos los separan poco a poco. Tres años después Hiroki y Takuya descubren que Sayuri está en un estado de coma profundo y entienden que la única manera de ayudarla, y probablemente de incluso salvar el mundo, es cumplir la promesa de cuando eran pequeños

Opinión:

Que ésta película ganara (superando a rivales como Steamboy o El Castillo Ambulante) el Mainichi Eiga Concour no es una casualidad. De una factura exquisita y una historia cuya intriga va in crescendo, ésta peli conecta directamente con los sentimientos del espectador (pasas 90 minutos extasiado con la tranquila rutina de los protagonistas, compartiendo sus sueños y sus dudas). Una obra desnuda de todo artificio y pretensión, que deslumbra por su encantadora sencillez.

Lo mejor: el “ambiente” de sueño hipnótico que desprende toda la peli, su carga emotiva
Lo peor: que su ritmo pausado no acabe de engancharte (cosa que dudo)

Remake Final Fantasy VII

Esa es la imagen de la discordia. Sale justo al final del FF: Crisis Core de Psp. ¿Vaga referencia a un posible remake del Final Fantasy VII, o una simple alusión al juego clásico de PsOne? En el próximo Tokio Game Show (éste 20 de septiembre) tendremos una respuesta.

Del fanservice y los esnobs

Fanservice: término vagamente definido, utilizado en los medios visuales (particularmente en el mundo del manganime) para referirse a elementos superfluos dentro de la historia principal, pero diseñados para divertir o atraer a la audiencia

Esnob (del inglés snob): persona que imita con afectación las maneras, opiniones, etc., de aquellos a quienes considera distinguidos

En la carrera hacia el éxito típica de las sociedades capitalistas, criticar es uno de los vicios más habituales. Y más que críticas constructivas (que siempre tienen un efecto positivo), muchos critican sin un propósito, llevados por esa competitividad insana que desde siempre nos han inculcado. A los “mejores” hay que marcarles y sacar a relucir todos sus defectos.
Cuando estamos en el momento álgido de un anime, y de repente los protagonistas se van al karaoke, o se disfrazan de osito de peluche… eso es lo que llamamos fanservice. No voy a negar la existencia del fanservice, de hecho algunas series pierden mucha calidad debido al uso excesivo que hacen de éste. Un mal hábito, sin duda. Lo que quiero resaltar aquí es la actual tendencia criticona que parece haber poseído a muchos otakus, que despotrican contra algunas series enarbolando frases despectivas cómo “producto fanservice”, “shonen para tías” o “Gundam de metrosexuales”. Una corriente de opinión snobista a más no poder, que parece indicar que sólo lo frío, lo trágico y lo circunspecto es “guay”. La vida misma está repleta de momentos fanservice, así que tachar el más mínimo instante de chiste fácil o de distensión como una treta para atraer a las “incultas masas otakus” y subir la audiencia, me parece cuanto menos un recurso fácil para criticar sin fundamento.
Nunca hay que perder el espíritu crítico, pero tampoco el respeto a la hora de expresar nuestras opiniones. Y sobretodo, debemos adquirir una voz propia (como diría el fantasma de la ópera ^^), expresando sin influencia alguna nuestras opiniones, y no dejándonos guiar por esas maliciosas lenguas incapaces de ver el vaso medio lleno.

Code Geass: blanco de las hordas anti-fanservice

Great Teacher Onizuka

Sinopsis: Eiichi Onizuka es un joven de 22 años que hasta ahora siempre hacía lo que le venía en gana, además de ser un reconocido gamberro. Pero ya ha terminado los estudios y debe encontrar un empleo. Después de mucho pensarlo, cree que la mejor opción para tener a muchas chicas cerca y poder perder su virginidad es ser… profesor. ¿Quieres ver cómo se desenvuelve un macarra como profesor?

Opinión: no reírse con GTO es algo imposible. La manera de manejar los problemas de Onizuka es la más caótica, irracional y bestia que uno pueda imaginar. El tío es un verdadero genio, uno de los personajes más redondos del mundo del cómic (no exagero, tiene una personalidad desbordante). Sólo por ver cómo los terribles alumnos de la clase de Onizuka van cayendo rendidos ante el encanto de su sensei, ya vale la pena ver éste anime. Una serie indispensable, repleta de momentos inolvidables y carcajadas para parar un tren.

Lo mejor: Onizuka, las abdominales que haces de tanto reírte.
Lo peor: ¿nada? Quizás que, al principio, los alumnos son unos sádicos del copón, y puede que tanta “maldad” te sature. Aunque todos evolucionan, así que paciencia ^^

Literatura en el recuerdo

Colección "Elige tu propia aventura", publicada por TimunMas:

Serie "El pequeño vampiro", de Angela Sommer-Bodenburg:

Pesadillas, de Otomo

Sinopsis: Pesadillas es la precursora de la obra magna de Otomo, Akira. En ella encontramos a un viejo y a una niña, ambos con impresionantes poderes psíquicos, que se enfrentan en el marco de un enorme complejo residencial.

Opinión: un tomo trepidante, empapado de todas las virtudes que cristalizarían posteriormente en Akira. Más de veinte muertos en un mismo complejo de viviendas públicas, y la policía no logra hallar explicación alguna… así empieza Pesadillas. Y acaba convirtiéndose en un trepidante “thriller sobrenatural” gracias a la mágica pluma de Katsuhiro Otomo.

Lo mejor: las escenas de acción, el aura de misterio que rodea al complejo residencial y a todos sus inquilinos, el dibujo de Otomo es un regalo para los ojos.
Lo peor: si necesitas de una trama bien perfilada y gustas de historias bien hilvanadas, Pesadillas puede parecerte un tomo algo precipitado (aunque este es precisamente el gancho de la obra, ese torrente de acontecimientos que no nos da tregua alguna).

Elfen Lied

He decidido añadir una sección de reseñas al blog, con la intención de hacerlo un poco más dinámico y ofreceros la posibilidad (para aquellos días en que os apetezca leer algo breve y conciso) de haceros una idea rápida de las series que iré poniendo. Las reseñas (de momento) sólo serán sobre manganime, el pilar fundamental de Mángasis. Dicho esto, ahí va mi primera reseña. Espero que sea de vuestro agrado ^^

Sinopsis: Lucy es una diclonius, es decir, una mutación de la raza humana cuyos rasgos físicos más predominantes son dos cuernos situados en su cabeza -de ahí la palabra diclonius ("dos cuernos")- que le daban el poder extra-sensorial de percibir a otras diclonius, además de brindarle unos brazos invisibles llamados "vectores". El único propósito aparente de esta mutación es la de destruir a la raza humana, pues en teoría las diclonius son el siguiente eslabón de la evolución humana.

Opinión: mucho hacía que una serie no me dejaba tan impactado. Muchos la tachan de orgía sangrienta, pero eso es dejarse cegar por los ríos de sangre a los que asistimos durante toda la serie. Detrás de tanta violencia hay una reflexión acerca de qué camino está tomando el ser humano, y un certero análisis sobre el amor, el perdón y demás temas “importantes”.

Lo mejor: la humanidad de los personajes (para bien o para mal), algunas escenas trágicas memorables, ser tan violenta y a la vez hermosa.

Lo peor: que en ocasiones se la “encasilla” por su alto contenido violento, sin llegar a apreciar cómo de maravillosa es esta serie.

La Sonrisa del Vampiro

Creo que la obra de Maruo se entiende perfectamente sólo leyendo unas líneas extraídas de una entrevista: “Mis obras no tienen ningún mensaje complicado. No se ha de sacar ninguna conclusión filosóficamente profunda ni nada de eso. Lo que sí me gustaría es que los lectores viesen en mis obras lo que realmente son: la visión artística de un mal sueño”. Ni más ni menos. La Sonrisa del Vampiro es un manga puramente visual, si los diálogos son más bien esporádicos y para acabar de apuntalar la historia, las imágenes son las que llevan todo el peso de la trama. Y lo llevan, según mi parecer, a las mil maravillas. Supongo que el hecho de haber sufrido tanto para publicar su primera obra en Japón, le ha otorgado a Maruo una modestia artística siempre de agradecer. Y eso a pesar de que su “arte” es uno de los más arriesgados y vanguardistas del panorama nipón.

En la Sonrisa del Vampiro nos encontramos con un mundo onírico dónde la bondad no es más que una ficción imposible, y contemplamos el periplo de Mori (el protagonista) a través de ese mundo depravado, lleno de sombras y hermoso. Porque sí, la obra también está repleta de belleza, pero ésta es turbulenta y violenta: vampiros adolescentes desangrando a sus víctimas en mitad de un campo de flores, niñas que se pasan el día hablando con las mariposas y comiendo gusanos, orgías con disfraces de por medio a lo Eyes Wide Shut,…
La Sonrisa del Vampiro no deja indiferente, desde luego. Su estilo poco habitual puede provocar rechazo al principio… pero cuando entres en el juego de Suehiro Maruo, creerás que esos dos tomos (30 euros en total, magnífica edición de Glénat) han sido la mejor inversión en mucho tiempo.

Homenaje a Expediente X (III)

Fox William Mulder: para entender la personalidad de Mulder hay que poner en un primerísimo plano el suceso que marcará su vida y su personalidad por completo: la desaparición de su hermana Samantha, cuando eran niños. Seguro de la implicación alienígena en el asunto, Mulder dedicará su vida entera en busca de repuestas.
En 1986, Mulder se licencia en Psicología por la universidad de Oxford, como alumno más destacado de su promoción. Ese mismo año entra en la academia del FBI, dónde ya se gana el apodo de “Mulder el sinistro” debido a su pasión por lo sobrenatural, y se recluye por voluntad propia en un despacho subterráneo, reabriendo los Expedientes X (casos sin resolver, inexplicables). Del brillante futuro que se le auguraba, el agente Mulder pasa a convertirse en un “bicho raro” al que pocos parecen tomar en serio.
Solitario, de brillante inteligencia, de palabra fácil, soltero empedernido e insomne habitual (se pasa las noches comiendo pipas), Mulder parece condenado a desfallecer frente a las obsesiones personales que le impulsan a seguir viviendo. Y aquí entra en juego Scully.

Dana Scully: licenciada en Física y Medicina, y especializada en Ciencia Forense. Scully entra a formar parte del FBI, y enseguida la hacen compañera del agente Fox Mulder, para que “espíe” el extraño comportamiento de éste y su labor en los Expedientes X. Como todos sabemos, acaba siendo la cómplice perfecta para los propósitos de Mulder.
Personalmente, creo que Scully es la mejor protagonista femenina que ha dado serie alguna. Os pongo un parágrafo extraído del libro de Sara Martín que me ha parecido esclarecedor al respecto: “muchas espectadoras se han sentido agradecidas con Carter por haber creado una heroína con la complejidad emocional e intelectual de Scully”. Si Mulder nos fascina por su tenacidad y su lucha incansable, más admirable aún resulta Scully: ella no se sacrifica y sufre en busca de un propósito personal, sino que lo hace todo por “amor” (quizás la palabra “fe” sería más adecuada). Podríamos decir que Scully entrega su futuro a Mulder, pues éste le ha dado un significado a su existencia.
Destacar lo buena actriz que es Gillian Anderson. Personalmente, me pareció sublime su interpretación en la particular “pasión de Scully” que dura bastantes capítulos y en que la agente (por diversas causas personales que no voy a comentar) pasa una época durísima (incluso tiene tema propio, el maravilloso y triste Scully’s Theme).

Y recordad:

Homenaje a Expediente X (II)

Algunas cifras

Una encuesta asegura que el 3% de los americanos creen haber sido abducidos por extraterrestres. Con semejante dato en mano, Chris Carter entregó (en el año 93) el episodio piloto de Expediente X a la Fox Tv. Competía con 36 “posibles series” más. Finalmente, y a pesar de que su contenido era un tanto “oscuro” para la época y muy innovador, el episodio piloto recibió el visto bueno de los mandamases de la Fox. Como ya había demostrado anteriormente Twin Peaks, el futuro de televisión no sólo residía en la producción en masa de programas basura al alcance de una gran masa de espectadores, sino que también se podía crear una televisión de culto para unas determinadas minorías. Quién iba a decirle a Carter, quien esperaba seducir a esas minorías, que su serie acabaría cautivando al mundo entero. Como muestra, algunas cifras de X-Files en los Estados Unidos: el capítulo más visto de toda la serie tuvo 29 millones de espectadores, mientras que la serie en su mejor momento fue seguida por un promedio de 19 millones de espectadores semanales.

La verdad está ahí fuera

Desde su primer encuentro, Mulder y Scully se transforman en una pareja de héroes enfrascados en una tragedia de dimensiones inimaginables. La famosa Verdad que Mulder persigue obsesivamente y que Scully acaba defendiendo aún a costa de su propia vida… es que no existe la verdad, o que la existencia de ésta no implica cambio alguno. Al término del viaje, después de haber sufrido el castigo físico y psicológico de su lucha, ambos acaban asumiendo que el mundo es un laberinto de mentiras dónde la verdad yace oculta en lo más profundo. Sí, la verdad estaba ahí afuera, pero era un fruto amargo. La idea de que nuestros destinos son moldeados por los poderosos (representados por los miembros del Sindicato), y la insinuación de que los seres humanos somos la debilidad hecha carne (frente a una posible invasión extraterrestre) le da un aire bastante pesimista al conjunto de la serie. Aunque en Mulder y Scully parece brillar tímidamente la luz de la esperanza: al final de la serie (no lo veáis si no habéis visto la serie entera, sería una lástima) Mulder está exhausto, la Verdad que tanto había buscado ahora lo ahoga. Pero Scully está ahí para apoyar a su compañero (amante, amigo), demostrando que nuestra especie necesita del apoyo mutuo para sobrevivir.

El mítico despacho de Mulder

Homenaje a Expediente X (I)

He decidido hacer tres posts dedicados a Expediente X. ¿Por qué Expediente X, y por qué tres posts y no sólo uno? Pues porque es mi serie predilecta desde que un día (ya algo lejano) vi el episodio piloto por TV, y quedé hechizado para siempre. Y tres posts, porque soy un inmenso friki de la serie, por lo que necesito tres para explayarme a gusto, y no quiero meterlo todo en un solo post, que sería un tocharro insoportable. Antes de empezar con el post propiamente dicho, mencionar que gran parte de la información la he sacado de un maravilloso libro recientemente publicado que analiza la serie con gran acierto (Expediente X: en honor a la verdad, de Sara Martín). Espero que os guste ^^

Expediente X: una introducción

De las nueve temporadas de Expediente X, dos tercios están dedicados a la trama de monstruos, y sólo un tercio se concentra en narrar la compleja trama mitológica (que es la que hizo de ésta serie un icono popular de los noventa). Los “monstruos” a los que se enfrentaban Mulder y Scully ponían en duda la aparente normalidad de nuestras vidas, mostrando oscuros seres que hibernaban en las profundidades de viejos edificios o a sectas de enrevesadas creencias perdidas en la América profunda. Expediente X plasma el ambiente, el “genio” y los pálpitos de esa generación que crecimos con Mulder y Scully. La serie es un compendio de terror, política y fantasía mezclado con el mayor acierto de la historia televisiva por Chris Carter. Como éste mismo dijo:”Expediente X surgió de mi gusto por películas como "Todos los hombres del presidente"… pensé que el thriller político era un género demasiado olvidado, y quise devolverlo al panorama televisivo”.

Claves del éxito

Aparte del acierto casi divino de Carter para plantear los cimientos de su serie, dos factores ayudan a explicar el por qué del desmesurado éxito de X-Files ya desee la primera temporada. El primero podría, a primera vista, considerarse como un defecto: la inconsistencia argumental de la trama mitológica, algunas “lagunas” que Carter y su equipo de guionistas dejaron sin explicar. Ya entra en el campo de la hipótesis saber si fue algo premeditado o una simple cuestión de suerte, pero el caso es que ese detalle provocó que la serie se alzara más allá del mero producto televisivo para pasar a formar parte de la cultura popular de la década de los 90. Todo el mundo hablaba de Expediente X, todo el mundo estaba enamorado de Scully o quería ser tan listo como Mulder, queríamos ser del FBI o descubrir que nuestro vecino era un mutante horripilante. Y para rematar la faena, la definitiva eclosión de Internet fue una aliada perfecta para la “mundialización” del efecto X-Files: justo al terminar la emisión del habitual capítulo semanal, los foros de Internet (en España, por desgracia, la Red aún no se había expandido) se llenaban de “geeks” que discutían mil y una teorías al respecto de la serie, que analizaban cada frase de los agentes o que discutían sobre la validez de las ideas planteadas en pantalla. El segundo factor decisivo para el éxito sin parangón de Expediente X fue la atípica relación entre Mulder y Scully. Lo primero que debe destacarse aquí es la obsesión de Chris Carter por evitar que los dos personajes principales de la serie mantuvieran ningún tipo de relación amorosa. Pasaron muchas temporadas hasta que Carter cedió a la presión de millones de “shippers” (aquellos fans que querían un mayor desarrollo del “amor” entre Mulder y Scully) y pudimos ver el primer beso. Así, aparte de desquiciar a muchos fans, Carter consiguió que entre ambos agentes surgiera una relación mucho más profunda que el simple amor pasional. Ya avanzada la serie, vemos que Mulder y Scully están unidos por el amor (como la mayoría de las personas), pero también por el dolor más profundo y por el sacrificio que comporta para ambos mantenerse firmes en su cruzada ufológica. Cambian muchas cosas durante las nueve temporadas, pero lo que siempre prevalece es la sensación de que a Mulder sin Scully le falta algo vital, una parte de sí mismo (y viceversa).

Chris Carter, director de Expediente X

Valkyrie Profile: Silmeria

¿Qué sucede si pones en manos de japoneses la tenebrosa y turbulenta mitología nórdica? La respuesta es clara: Valkyrie Profile. Uno de los mejores rpg’s de la extinta Psone, una perla eclipsada por otros juegos que era un auténtico compendio de belleza, misticismo y sensibilidad. Nunca llegó a salir en nuestro país, así que si queréis jugarlo tendrá que ser en un perfecto inglés… aunque realmente vale la pena.
Las valquirias, diosas de la mitología escandinava de extrema belleza, tenían la misión de recoger las almas de los héroes caídos en batalla y llevarlos hasta el Valhalla. Con ésta leyenda como pretexto, en el primer Valkyrie Profile guiábamos a Lenneth (una valquiria) en el destino que Odín le había encomendado: reclutar a los mejores guerreros caídos para afrontar el inminente Ragnarok (una especie de Apocalipsis a lo bestia, en que los dioses luchaban contra los demonios por sobrevivir).
Con el tiempo, el juego se fue convirtiendo en objeto de culto debido a la poca difusión que tuvo en relación a su calidad, así que cuando hace poco se anunció la segunda parte, los amantes de las hermosas diosas guerreras crucemos los dedos para que Square trajera el juego por estos lares… y Odín ha escuchado nuestras plegarias.
Valkyrie Profile Silmeria (así se llamará la emblemática continuación) estará en las tiendas españolas éste 7 de septiembre, luciendo un apartado gráfico apabullante (de lo mejorcito de PS2) y totalmente traducido al castellano. Las diosas del Valhalla vuelven a estar entre nosotros, por fin.
Si queréis saber algo más sobre el juego, podéis visitar el análisis de Meristation o la Web Oficial del juego.

KOR. Opera de Jabón

Hay cosas que uno no puede valorar objetivamente. Yo siempre digo que Kimagure Orange Road es la “soap opera” más bestial y maravillosa de todos los tiempos, aunque sé que tiene muchos defectos (muchos capítulos insustanciales, una trama que se alarga en exceso, una Hikaru que quizás acaba empalagando cuando había empezado siendo un personaje maravilloso). Pero hay cosas que no deben ser examinadas y sometidas a un juicio de calidad, sino que hay que sentirlas, hay que dejarse llevar por su magia. Y pensar en KOR es llenarse de su fabulosa música, recordar a Kyosuke dormido en la barra del ABCB, dejarse enamorar una vez más por Madoka… aunque no hubieras visto jamás un solo capítulo en la época de T5 con sus Johnys, Rositas y demás, la serie desprende un aroma a nostalgia que no puede con él. Yo la vi recientemente del tirón en unos pocos días, y me sorprendí de una cosa, y es que tiene un componente costumbrista muy fuerte. Me explico: hay bastantes capítulos en los que no pasa absolutamente nada, en los que los protagonistas se dedican a “vivir” frente a nuestros televisores, charlan en la azotea del instituto, pasean por el parque, se comen un helado en el ABCB, prueban su primera copa de alcohol (no olvidemos que son adolescentes). La quintaesencia de las soap opera, una serie entrañable que ya hace sus años consiguió robar el corazón a muchos españoles poco dados a esto de ver “dibujitos”.
Y bueno, de Ayukawa, de Madoka, de Sabrina (made in T5) qué voy a explicar… una de las mujeres más fascinantes que ha dado el manganime. Kyosuke o Hikaru, a pesar de ser grandísimos protagonistas para ésta historia, no dejan de ser personajes predecibles, podemos encontrarles en cualquier otro anime… a Madoka no, a ella solo la encontraremos en el balcón de su casa, tocando el saxo ^__^
Cuando uno termina la serie, hay que ver la película conclusiva “Quiero volver a ese día” (que cierra como dios manda la historia). Aunque sea un final un poco doloroso, es mejor que el final abierto y deslucido del capítulo 48. Y como opinión personal, os recomiendo que no perdáis la oportunidad de mirar el peliculón que es Shin Kimagure Orange Road, que trascurre varios años después (con los personajes más maduros en todos los aspectos) del término de la serie. Si queréis información sobre KOR, os recomiendo visitar ésta fantástica página: The Orange Attraction.

PD: por qué se le llama “soap opera” a KOR? ¿Qué género es ese? Cito unas líneas de la wikipedia: “El nombre soap opera significa "obras de jabón", literalmente. Este nombre tan peculiar tiene como origen que en Estados Unidos las primeras soap operas estaban dirigidas a las amas de casa que se quedaban en su hogar en las mañanas mientras sus esposos iban a trabajar. Los patrocinadores, conscientes de su mercado, interrumpían la transmisión regularmente para anunciar productos de limpieza como jabón. El mercado y el público cambiaron, pero el nombre con que fueron conocidas perduró”.

Night of summer side (opening KOR)

Historia del anime

Eso de dibujar parece que siempre le ha gustado al ser humano. En los albores de la prehistoria, los hombres ya pintaban las paredes de sus cuevas con ideogramas (puntos, líneas, cenefas) y sencillas representaciones de hombres y animales, todo esto con finalidades prácticas: obtener una buena caza o recolectar alimento suficiente. En eso no hemos cambiado demasiado, pues para deshacernos de nuestros miedos y fantasmas escribimos sobre ellos, dibujamos, creamos “arte”.

Es por eso que podríamos decir que los dibujos son un medio de comunicación casi innato a nuestra especie, en ellos plasmamos la realidad existente frente a nosotros y nos ubicamos en ella (de distintos modos). Cada época y cultura tiene un “genio” distinto, y sus obras pictóricas nos ayudan a intuir la profunda religiosidad del mundo egipcio o la fastuosidad del barroco europeo. ¿Acaso no es el Gernika de Picasso un crudo testimonio de la guerra civil española, o El Grito de Munch el desamparo en estado puro? Un buen día, a alguien se le ocurrió transformar ese arte estático que era el dibujo en algo vivo, animado. En el 1877, Reynaud inventó el praxinoscopio, el primer “padre” real de los dibujos animados. El invento reflejaba varias imágenes sucesivas sobre una pantalla, gracias a un juego de espejos que había en su interior (y que alrededor tenía tiras de papel con dibujos). Muy largo ha sido el camino de la animación, desde luego. Con Reynaud se dio el pistoletazo de salida, cuyo testimonio recogieron y perfeccionaron los americanos… de los japoneses, por aquel entonces, ni rastro.

Los primeros indicios de una industria de animación japonesa medianamente sólida los encontramos ya entrado el siglo XX. Muchos precursores intentaron introducir los dibujos animados en Japón, pero por falta de recursos ninguno de ellos obtuvo la repercusión necesaria para crear trabajos importantes. Es con la fundación de una compañía (con recursos y dinero, claro está) como Toei (1958) que los dibujos animados empiezan a convertirse en un negocio rentable y un arte de calidad. Con todos los recursos técnicos modernos a su alcance, y con el sueño de convertirse en el Disney de Oriente, Toei abrió un camino que llega hasta nuestros días.
¿Y Tezuka qué pinta en todo esto? El apelativo de Dios que solemos utilizar para referirnos a él se debe (principalmente) a que pulió el anime japonés y lo dotó de una personalidad propia. Estableció el patrón a seguir por las generaciones venideras. Influenciado por Disney, dotó s sus personajes (el ejemplo más claro es Astroboy) de ojos grandes y muy expresivos. La influencia de la vanguardista animación americana en el anime nipón es incuestionable, y Tezuka escogió ese modelo de dibujar por estar dotado de una expresividad increíble: en los enormes ojos de Astroboy caben todas las emociones humanas que uno pueda imaginar. Gracias a Tezuka, el anime japonés ya disponía de un método perfecto para contar sus historias, y es aquí precisamente (en la trama) dónde los japoneses fueron despuntando y tomando derroteros muy distintos de los Disney & Cía. El secreto de su éxito: un humanismo nunca antes visto en ningún dibujo animado, un maravilloso retrato de las preocupaciones que acechan al ser humano.

Light Novels

La expresión “el boom del manganime” empieza a estar un poco pasada de moda. Lejos quedan ya aquellos tiempos en que ver un cómic japonés en un estanco o una copia de Akira en el videoclub era considerado poco menos que milagroso. El Oso de Oro para Chihiro o la reciente devoción mundial hacia la figura de Naoki Urasawa (Monster, 20th Century Boys) no hacen sino confirmar que lo japonés pega fuerte y no precisamente por una cuestión de moda pasajera.
En éste post pretendo arrojar un poquito de luz sobre uno de los géneros menos conocidos dentro de éste mundillo, las Light Novels (así las llaman los americanos). Como el nombre indica, éstas obras van dirigidas a un público joven, pues son lecturas no demasiado complicadas y con una clara vocación: divertir. No, no son ni “El mercader de Venecia” ni “Así habló Zaratustra”, pero tampoco pretenden serlo (los japoneses ya tienen a sus monstruos de la élite literaria, como Murakami). Al igual que los mangas, las light novels suelen serializarse en revistas especializadas, y es un negocio que mueve mucho más dinero del que pudiera parecer. Anualmente se realizan numerosos concursos que premian con sustanciosos premios a las mejores obras (el Dengeki Novel Prize es el más destacado), estimulando así un mercado ya de por sí muy activo. Recientemente, Tokyopop (principal distribuidor americano de manganime) probó suerte al publicar varias light novels en un mercado tan saturado como el norteamericano, y las ventas respondieron muy positivamente. En nuestro país, Genko Books (nuevo sello editorial de TimunMas y, por consiguiente, de Planeta) se animó a publicar las novelas de Emma hacia finales del 2006, y la jugada no les debió salir del todo mal cuando ya nos tienen preparada otra novedad para éste septiembre: Trinity Blood. Y para 2008 una “perla” que muchos nostálgicos agradecerán sobremanera: las novelas de Record of Lodoss War.

Habría que agradecer apuestas como la de TimunMas, que demuestra que no todo el panorama del ocio juvenil debe simplificarse a videojuegos y Hollywood por un tubo. Si las light novels sirven para que los jóvenes pasen un buen rato y despierten apetito literario, bienvenidas sean. Y los que ya somos “viejos” para estas batallitas… en fin, esperemos que TimunMas abra pronto un servicio de venta por correo y así podamos conservar nuestra “integridad” adulta XD Como ya sabréis, muchos de nuestros animes predilectos tienen su origen en una serie de “novelas ligeras”, así que nunca está de más echarles un vistazo a los libros si tenemos la oportunidad. Dicho esto, os paso un par de links dónde podréis encontrar las traducciones de dos destacadas series de light novels: Suzumiya Haruhi no Yūutsu y Full Metal Panic. Gracias mil a los traductores ^__^

La Dragon Magazine, dedicada a las light novels

Ocean Dome

En Japón tienen una playa con la arena más fina del mundo, blanca como el mármol. El sol nunca deja de brillar, y la temperatura es siempre perfecta. Éste “paraíso” se halla en la isla de Kyushu. Aunque no hubiera escrito un post para hablar de una playa normal y corriente… el Ocean Dome es una playa bajo techo, creada por el hombre (tiene 300 metros de ancho por 100 de largo). Así que aparte de arena y sombrillas como en cualquier otra playa, aquí se pueden encontrar robots-loro, olas sincronizadas y mucho turista suelto. Por 50 dólares, uno puede disfrutar de un cálido día veraniego bajo la cúpula del Ocean Dome, aunque sea el invierno más frío del siglo. Bailes tropicales, un volcán que entra en erupción para deleite de los bañistas… Japón is different ^__^

Anti-clichés

Que los personajes de Gundam 00 hayan sido diseñados por los dibujantes de Loveless no significa que el efecto fanservice haya mancillado las inhóspitos parajes del shonen de mechas más masculino y despiadado, ni que las series no-shojo con algo de sensibilidad sean ya un pseudo-producto ideado para vender más. Personalmente, las historias violentas sin un mínimo de “humanidad” detrás me la sudan bastante, me llaman más la atención los héroes retorcidos como Light (Death Note) o las series como Elfen Lied (dónde a pesar de los litros de sangre, lo que más destaca al final es la búsqueda del perdón de Lucy). Una cosa es quejarse de que, justo cuando vamos por la parte más densa y crítica de un anime, nos metan un capítulo enseñándonos a los protas vestidos de osito de peluche o de visita al karaoke… otra es añorar los tiempos en que los animes eran productos superficiales y hechos para un público muy específico.
He visto muchos animes, y de muchos ni me acuerdo. Los que dejan una huella más honda son aquellos cuyos protagonistas están vivos y te transmiten algo que tú reconoces, algún sentimiento con el que te identificas y te hace apreciar (u odiar) al personaje en cuestión. Escribo éste post porque estoy entusiasmado con la próxima serie de Gundam, y visitando foros sobre el tema me he percatado de qué lleno de prejuicios está este mundillo. “Gundam Seed es una historia para niñas, los protas son unos llorones. El mejor era Amuro, ese mataba y se quedaba tan contento”. Cosas así las he leído (y más a menudo de lo que me gustaría). Que guste o no una serie no es criticable, cada cual allá con sus gustos, pero al menos si se desprecia algo de manera tan descarada, cuanto menos habría que darse un argumento un poco más “inteligente”. Lo mismo aplico para la gente que ya se pone a despotricar contra Gundam 00 solo porque el diseño de personajes corre a cargo de la gente de Loveless.
En fin. Estamos en el año 2007, ya va siendo hora de quitarse los clichés y las máscaras de “machos ibéricos”, y valorar las cosas en su justa medida

PD: por cierto, viva Char Aznable (lo siento, soy fan acérrimo del universo Gundam) XD

El gran Char, el "Cometa Rojo"

El ecologismo de Ghibli

¿No nos estará ésta civilización nuestra des-humanizando, más que hacernos tomar el camino de la comprensión mutua y el altruismo? Esa es la premisa de la que parecen partir muchas de las películas de Ghibli. En Mononoke Hime los bosques son una representación de lo sagrado, de lo que aún no ha sido corrompido, y ahí tanto los animales como los árboles se encuentran en su hogar, es su último refugio contra la amenaza que representa el ser humano. En cambio, para los pocos seres humanos que se atreven a adentrarse en esos bosques frondosos y llenos de misterio, los bosques son lugares peligrosos, llenos de oscuridad. Los hombres ya están demasiado corrompidos para hallarse a gusto en un lugar sagrado, sólo en el fragor de la guerra y bañados en sangre parecen hallar consuelo sus espíritus… menos los inocentes y puros de corazón. Por eso, Ashitaka o San entran al bosque y oyen la voz de los lobos, mientras los demás no pueden. O por eso mismo halla la pequeña Chihiro un mundo de fantasía allá donde sus padres sólo ven un viejo parque de atracciones derruido. En fin, las películas de Ghibli son un canto a la naturaleza, una llamada para que respetemos a esa naturaleza que un día nos acogió y nos permitió subsistir de ella. Desde Ghibli parecen pedirnos que dejemos de maltratar a nuestro planeta, al fin y al cabo.

Una versión de Nausicaa, por Jiaxing Rong

¡Eureka!

Si por abrumadora mayoría muchos fans consideramos “Suzumiya Haruhi no Yuuutsu” la mejor serie del 2006, hay más dudas sobre qué serie obtuvo ése galardón un año antes. Yo también tenía mis dudas hasta que vi “Eureka Seven”. El Estudio Bones, todavía bendecido por las musas tras su fantástico trabajo con Full Metal Alchemist, se puso manos a la obra y parió otro anime que deslumbra por su impecable factura técnica. De la brutal OST de “Eureka Seven” y de su dibujo con cierto aire retro, sólo cabe decir que Bones nos ha vuelto a deleitar con un producto que es una delicia para los sentidos. Pero si el apartado técnico de la serie roza la perfección, la trama no se queda atrás ni mucho menos. Renton es un chaval de 14 años un poco agobiado con su rutinaria existencia, de la que escapa gracias a su mayor hobby: surfear. Comentar que en ésta serie surfear implica literalmente volar, aprovechando unas misteriosas corrientes aéreas llamadas “trapar”, que fluyen viento a través. Renton vive con su abuelo, y está aprendiendo el oficio de mecánico para heredar el taller familiar cuando su abuelo no pueda seguir con el trabajo. Pero un buen día, un robot caído del cielo va a cambiar drásticamente el rumbo de su vida. Así empieza Eureka Seven.
Los mechas en ésta serie son una mera anécdota, eclipsados totalmente por la marcada personalidad de todos los personajes. Para una serie de 50 capítulos, es fácil que en algún momento se produzca un altibajo en el ritmo narrativo o que aparezcan los temidos capítulos de “relleno”, dónde a la protagonista la visten de conejita o dónde se van de viaje a la playa (tipical anime, no? :D ). En Eureka Seven no sobra ni un solo capítulo, todos desarrollan una historia compleja y llena de simbolismo, y ayudan a humanizar un poquito más a los personajes.
No me resisto a comentar que las relaciones “amorosas” en ésta serie están tratadas con una madurez inusitada para un shonen (creo que Eureka Seven se podría calificar como tal). De Renton y Eureka, sólo decir que es una de las relaciones más bonitas, inspiradoras y puras que uno pueda imaginarse, es realmente emocionante ver cómo ambos van conociéndose y acercándose hasta que la sola idea de estar separados se vuelve inconcebible. Valores como la tolerancia, el compañerismo, la superación personal, el respeto por la naturaleza, se pueden extraer de ésta historia trepidante y, a la vez, cargada de una sensibilidad encomiable.
PD: y ya que hablamos de mechas, deciros a los fans de Code Geass que ya se pueden encontrar en Internet los últimos capítulos (24 y 25) subtitulados al castellano ^__^

Joe Sacco: cómic documental

Mucho se ha dicho y escrito sobre el conflicto de Oriente Medio. Joe Sacco (nacido en Malta, pero criado en Estados Unidos) expone su versión de los hechos en su magnífica obra “Palestina: en la franja de Gaza”. La TV da al espectador una sensación de lejanía respecto al conflicto en cuestión, mostrando la realidad pero no implicándonos en ella. Sacco, al contrario, muestra escenas poco habituales, plasma en el papel sus vivencias en Palestina como corresponsal de guerra, los diálogos con sus gentes, las borracheras en bares de mala muerte, la miseria de esa tierra pero la frágil felicidad que aún conservan sus habitantes. No es una obra espesa, con alegatos políticos de por medio, es una exposición en viñetas del drama humano que se vive actualmente en Palestina, valiente y veraz como pocas veces se ha visto. Es cierto que el dibujo de Joe Sacco dista bastante de ser bueno, de hecho es más bien un estilo caricaturesco repleto de detalles, pero tiene un encanto y una vivacidad que pronto os harán olvidar todos los prejuicios. Se nota que Sacco es periodista, porque es increíble la capacidad para plasmar en “Palestina” el aroma de una tierra y el sentir de todo un pueblo. Creedme si os digo que éste es un cómic lleno de vida, que os hará reflexionar y que a la vez os pondrá en la piel de los palestinos, os acercará un poco más a esa tragedia humana. Y eso, sin perder nunca la esperanza y el optimismo: porque las páginas de “Palestina” están llenas de tanques y ciudades derruidas, pero también de sonrisas y momentos tiernos

Un tomo que no te puedes perder

Gracias, Suzumiya

“Salvar al mundo con una sobredosis de diversión”, ese es el lema de La Brigada SOS. Suzumiha Haruhi odia aburrirse, y la Brigada es su manera de romper con la monotonía. Suzumiya es el epicentro de la historia, a su alrededor se desarrollan las tramas y las personalidades que dan forma a la mejor serie del 2006 (no lo digo solo yo). El planteamiento de la serie no parece original en absoluto… la alumna más excéntrica de todo Japón se traslada de instituto, y cuando le llega el momento de presentarse ante su nueva clase les suelta la siguiente declaración de intenciones: “no tengo ningún interés en los simples humanos. Si hay algún alien, viajero del tiempo, fantasma o alguien con poderes paranormales aquí… venid y uníos a mi”. Qué serie tan genial, por Dios.
“Suzumiya Haruhi no Yuuutsu” tiene un plantel de personajes exquisito. Personajes entrañables, con los que no encariñarse es imposible, cada uno tiene un carácter tan personal y único que actúan como un “elixir de la felicidad” perfecto… cuando acabas de ver los 14 capítulos te das cuenta de que has pasado unos días en una nube, y es porque ésta serie transmite una alegría y un buen rollo impresionantes. Aunque damos por sentado que Suzumiya es el “alma máter” de la serie, sin el resto de miembros de la Brigada Sos la receta perdería otros de sus ingredientes fundamentales. Kyon lleva el peso de ésta serie junto a Suzumiya, y personalmente es el personaje que más me ha gustado. Éste tío es un crack. Aquí es donde más se nota que la serie está basada en unas novelas, pues hace muchísimo tiempo que no veía en un anime un personaje tan complejo como Kyon, con un mundo interior tan descomunal y un cinismo tan refinado. Él pone la voz en off a la historia, y en su haber tiene algunos de los momentos más desternillantes de toda la serie. Si aparentemente es el típico pasota al que todo le importa más bien poco, te vas dando cuenta de que es un personaje con un magnetismo que te roba el corazón por completo.
El resto de personajes principales son Nagato, Mikuru y Koizumi. Es imposible definirles con unas pocas palabras, todos están tan vivos y son tan delirantes que hay que verlos en acción para entender porqué “La Melancolía de Suzumiya Haruhi” ha causado tanto revuelo. No os podéis perder por nada del mundo este serión, es de los que salen cada muchos años. Miradme, pobre de mí, escribiendo éste post sobre una “simple” serie de anime, y con una sonrisa de felicidad en la cara. Bendita Suzumiya ^__^

Ver Ending

Monstruos en la oscuridad

A cambio de sacrificar un poco de nuestra libertad individual, la Sociedad nos aporta seguridad. Eso nos han dicho siempre. “Dragon Head” juega con esa idea y pone sobre la palestra un hipotético regreso a la barbarie, a los tiempos más primitivos en que ningún tipo de ley frenaba al ser humano para que éste diera rienda suelta a sus instintos. Y ciertamente da miedo, leyendo éste manga uno llega a pensar si nuestra civilización no será únicamente un freno para el horror de que es capaz el hombre, unos raíles para no adentrarnos en la “oscuridad” (elemento muy presente en toda ésta obra).
Como en “Mecanoscrito del segundo Origen” (grandioso libro), los protagonistas de “Dragon Head” se ven inmersos repentinamente en el caos más absoluto. Tras un accidente de tren en el que mueren todos sus compañeros de instituto, los supervivientes deben salir del túnel en el que han quedado aislados y afrontar la realidad: el Apocalipsis ha llegado y deben sobrevivir en un mundo oscuro, claustrofóbico y devastado.
A lo largo de la historia veremos como el lápiz de Minetarô Mochizuki (el autor) traza con sublime destreza ese hipotético Apocalipsis, valiéndose de unos personajes con mucho gancho y un dibujo idóneo para ésta historia (yo agradecí mucho esa dosis de realismo que tienen los personajes en éste manga, ya estaba harto de tanto dibujo estilizado. Los escenarios: para mear y no echar gota).
Por último, comentar que Teru y Seto (el dúo protagonista) tienen una química increíble. Es algo digno de leer la evolución de su relación, el fuerte vínculo que van adquiriendo a lo largo de la historia, debido a que el destino ha decidido unirles en la desgracia. Un viaje por la oscuridad de 10 tomos que no deberíais perderos: vuestras estanterías lo agradecerán ^__^

¿Qué se estudia para ser Héroe?

No leo demasiado cómic americano, es un género que empecé con algunas obras malas y me está costando pillarle el tranquillo. El caso es que el otro día me pillé el que muchos aseguran es el mejor cómic de Batman, “El Regreso del Caballero Oscuro”, y ésta vez sí disfruté de la magnífica obra de Frank Miller. Compráosla si queréis ver al héroe americano más siniestro en plena vejez, decidido a “limpiar” Gotham de corruptos aunque en ello le vaya la vida misma. No os arrepentiréis.
Dicho esto, empiezo a meterme en materia XD Y es que el post no era para recomendar la obra de Miller (que también), sino para rememorar aquellos viejos “versus” de cuando era pequeño y en el colegio nos pasábamos el día discutiendo si en una pelea ganaría Superman o el Hombre Murciélago. Ahora me doy cuenta de que aquella discusión tenía la misma profundidad que una Penthouse, pero también empiezo a entender porqué siempre he preferido a Batman y no al “último hijo de Krypton”. Y es que Batman me es más cercano: crece desde la debilidad, desde su condición de humano, no es un bendecido por el destino que puede volar o desviar la luna de su órbita. Superman es aburrido, es tan perfecto que da asco, tan correcto y altruista que no me inspira nada en absoluto. Al menos Hulk es sobrehumano y agarra montañas como si fueran flanes, pero pierde el control y destroza ciudades enteras. Demuestra que el ser humano, aparte de excepcional y privilegiado, a veces también es despiadado e irracional.
La lucha de Superman es una lucha poco implicada, digamos que tira por el camino más fácil. Es un héroe encorsetado y tan americano que no tiene ni un ideal propio, su lucha es una lucha por ideales ajenos que le inculcaron en esa granja tan bucólica donde se crió. Batman será egoísta, un loco traumatizado, un poco cabrón y manipulador, pero se ha hundido en el barro y se ha levantado un millón de veces, y sigue un credo suyo y de nadie más. Superman no deja de ser un títere que los “jaques” americanos usan para mantener su status quo. Si Batman es el inconformismo y la implicación máximos, Superman es el superhéroe más poderoso y vacío del universo.
Claro, que eso con 9 años no lo sabíamos ni yo ni mis amigos XDDD

PD: es un Spoiler, así que si queréis pillaros el cómic no sigáis leyendo… Batman y Superman se dan de ostias en éste cómic. Otro motivo para hacerse con él. Ver sangrar a un gentleman de Krypton siempre es agradable XDDD

El poeta ebrio

Perdido entre las calles del luminoso y bizarro Imperio Persa, Omar Jayyam se entregó a los placeres del vino y el malvivir, incapaz de comprender los secretos de la existencia. Brillante matemático y astrónomo, pasó a la posteridad debido a su obra “Robaiyyat”, unos poemas en los que nos muestra su forma de vivir, tranquila y relajada, capaz de saborear los detalles más insignificantes. Tras muchos años de estudio, Jayyam llegó a la masticada conclusión de tantísimos grandes hombres… “carpe diem”, vive el momento, porque hay caminos que el hombre jamás podrá conocer. Siempre nos acechará la duda y el misterio, por muchos avances que hagamos siempre habrá un gran vacío ante nosotros. Por eso en nuestro interior tenemos un refugio contra ese universo tan extraño: un lugar íntimo al que nosotros damos forma, donde todo parece adquirir cierto significado. Os pongo unos párrafos del “Robaiyyat”:

“construye un paraíso con el vino y la copa, que no sabes si al otro (paraíso) llegarás algún día”

“mucho has visto del mundo y cuánto has visto es nada. Cuanto has dicho y oído en él, también es nada. Corriste hasta el confín del horizonte: nada. Asustado te escondiste en casa”

“disfruta de este instante y tenlo en muhco aprecio, porque el total de la vida suma lo que éste instante”

“cabalga la tierra blanquinegra un bohemio: ni musulmán, ni hereje, ni laico, ni pío, sin razón ni verdad, sin principios ni asertos… ¿quién se atrevería a otro tanto?”

Ya que nos vamos a morir, al menos disfrutemos

Portada del Robaiyyat (como podemos observar, la edición no es de Mangaline XD )

Cuando el videojuego es magia

E aquí un par de juegos que me marcaron por lo especiales que eran, porque desprendían magia, porque recuerdo haberlos jugado y sin darme cuenta se me dibuja una sonrisa en los labios... algo tendrán, digo yo ^__^

ICO (Psx2)

“Imagina que estás exilado en un lugar desolado envuelto en oscuridad y misterio, donde las tinieblas dan caza a la luz y estremecedores ruidos invaden el más profundo de los sueños. Imagina que tienes que buscar la salida pero sólo encuentras oscuridad a tu alrededor. Pero cada prisión esconde una ruta de escape. E incluso en las situaciones más desesperadas, siempre hay alguien con quien compartir esta carga. Para Ico y Yorda, este viaje es sólo el principio. Y mientras que el diablo ha sido el que los ha puesto juntos, la amistad les llevará a la libertad. Saben que juntos pueden encontrar una salida, de vuelta hacia la luz...”

Nights into Dreams (Sega Saturn)

“Claris y Elliot comparten algo... de repente se ven inmersos en el mágico mundo de Nightopia, un lugar perdido entre los sueños. El malvado Wizeman quiere dominar ese mundo, pero Claire y Elliot se aliarán con Nights (un habitante de Nightopia) para poder regresar a casa”

Vídeo ICO - Pincha aquí

Vídeo Nights - Pincha aquí

Sakura ga saita

Si digo que la sociedad japonesa es altamente competitiva y que su nivel de estrés laboral está por las nubes, supongo que no os cuento nada nuevo. Todos hemos visto en los mangas al típico personaje que prepara por millonésima vez sus exámenes de ingreso a la universidad. A dichos exámenes se les llama en Japón “shiken jigoku” (el infierno de los exámenes). La cosa ha llegado a niveles tan exagerados, que ya para ingresar en los jardines infantiles (antes de los 3 años), a los niños se les obliga a reconocer letras del silabario japonés o pronunciar un par de palabras en inglés (adaptarse o morir).
Históricamente, la educación ha sido uno de los pilares básicos para la sociedad japonesa. Éste prestigio se vio reflejado en las altas notas (habitualmente las mejores) que obtenían los alumnos japoneses en las pruebas internacionales de matemáticas. Pero actualmente son muchas las voces críticas con el “ideal” sistema educativo nipón, que hacen referencia a la excesiva presión a la que somete al alumnado, o a la caducidad de los principios por los que se rige dicho sistema educativo (principios establecidos durante el período Meiji, 1868-1912).
El período de exámenes de acceso a la Universidad es la culminación de toda una vida estudiantil de sacrificio. Unas semanas después de acabar éstos exámenes, justo después de las nueve de la mañana, se publican los números de inscripción en una pizarra. Pero si uno vive lejos, la universidad envía una notificación escrita donde se demuestra el espíritu poético del pueblo japonés: si el alumno ha logrado aprobar leerá “Sakura ga saita” (el árbol del cerezo ha florecido), si ha suspendido “Etsuzan no yuki fukashi” (ha nevado intensamente en la montaña de Niigata).

(Información extraída de http://www.japonartesescenicas.org/, una web altamente recomendada)

La Toudai, la universidad más prestigiosa de Japón

GOTH

De Goth lo que más me ha gustado es que en un solo tomo, la personalidad de los dos protagonistas llega a cautivar bastante. Kamiyama sobretodo (es el chico). Lo más interesante de Goth es que enfoca la historia desde un punto de vista distinto a lo habitual. Tanto en mangas, como en películas o en libros, cuando se narran sucesos relacionados con asesinos o psicópatas, a éstos se les ubica en el peldaño más alto de la “cadena trófica”, como depredadores sin debilidad alguna. En Goth, en cambio, los asesinos son juguetes que sirven para que la siniestra parejita Morino-Kamiyama pasen un rato agradable con su hobby predilecto (y después dicen que la afición por el manga es rarilla). En fin, si disfrutabais de pequeños torturando a los insectos o si buscáis en google fotos de charles manson, éste es vuestro manga XD Si no es el caso, creo que también os gustará ^__^

Un dibujito lleno de optimismo y alegría

8,95 euros bien invertidos

William Burroughs: yonqui y poeta

Alguien capaz de estar meses enteros mirándose la punta del zapato es alguien, cuanto menos, diferente. William Burroughs era un yonqui y un genio literario. Padre de una literatura que te avasalla como un tsunami, que te lleva hasta el terreno de lo extraño e ilógico. Bienvenidos al mundo podrido y maravilloso del señor Burroughs. La obra que mejor plasma el interior selvático y oscuro de éste autor, la novela El Almuerzo Desnudo, hay que leerla con intención de dejarse embargar, si buscáis la lógica entre sus páginas tacharéis el libro de bazofia absoluta. No entendemos muchas cosas del mundo y nos gusta, pues lo mismo se aplica aquí. Me callo ya y os dejo algunos párrafos del libro, espero que os agraden ^__^

“lascivias de negros insectos se abren en vastos paisajes de otros planetas... Conceptos abstractos, desnudos como fórmulas algebraicas, reducidos a estiércol negro”

“salimos para Nueva Orleans, y pasamos junto a lagos iridiscentes y llamaradas rojizas de los mecheros de gas, y montones de desperdicios, caimanes que se arrastran entre botellas rotas y latas vacías, arabescos de neón de los moteles, chulos solitarios que gritan obscenidades a los coches que pasan desde sus islas de basura”

“migraciones, viajes increíbles a través de desiertos y selvas y montañas (éxtasis y muerte en valles cerrados de las montañas en los que las plantas nacen del sexo, inmensos crustáceos se incuban en el interior y rompen el cascarón del cuerpo) cruzando el Pacífico en piragua hasta la Isla de Pascua”

Final Fantasy: Last Order

Cuando Square-Enix anunció que iban a explotar el filón de su Final Fantasy más laureado con la Compilation of Final Fantasy VII, a muchos no nos acabó de gustar la noticia. A las leyendas hay que dejarlas descansar en paz, Cloud y Sephirot ya habían escrito sus memorables páginas en el mundillo de los videojuegos, se merecían un descanso. Y si bien con los juegos no acabaron de acertar (que hagan el remake del Final Fantasy VII ya, y se dejen de medias tintas), las películas fueron dignas de elogio. Hay que partir de la premisa de que tanto la película principal, Advent Children, como la OVA de 30 minutos Last Order, se disfrutan en su total magnitud si uno es un viciosillo del Final VII. Dicho esto, pasaré a comentar qué me pareció esa Ova especial que nos narra los sucesos acaecidos en Nibelheim cuando Sephirot enloqueció.
Primero, destacar el total acierto en escoger la trama de Nibelheim para éste OVA. Ya en el juego original, la primera vez que ibas a Nibelheim veías que en aquel pueblo anclado en las montañas, sumergido en la niebla, había pasado algo misterioso. Siempre me recordó a la atmósfera de Twin Peaks, cosas mías XDD Y poder contar con personajes como Sephirot, Tifa, Zack, Cloud, era otra baza a favor para que ésta historia cuajara. En resumen, media hora de anime imprescindible para los amantes del Final Fantasy VII (que somos muchos), y muy recomendable para aquellos que queráis ver una Ova cortita hecha con mucho esmero.
Ah por cierto, aquí tampoco aclaran como resucitar a Aeris XDDD

SOLDADO de 1era clase? Me da a mí que no, Cloud

Jénova, oculta en el corazón de Monte Nibel

Ghibli, ese búnker de genios

He estado “youtubeando” esta tarde y he visto un vídeo sobre el Museo Ghibli que hicieron en Cuatro (no lo vi en su día). No suelo ser demasiado iconoclasta ni adulador, pero cuando se habla de Miyazaki y toda su troupe no puedo evitar rendirme ante la evidencia de que el Estudio Ghibli es algo especial. Por eso, antes de morirme, tengo que ir a ese museo XDD Según lo que comentan en el susodicho reportaje de Cuatro, es tanta la devoción por Miyazaki que hay que pedir entrada con dos meses de antelación si uno quiere visitar el museo. Otra cosa interesante de ver es que, a pesar de los tiempos que corren y de la tentación tecnológica que nos rodea, en Ghibli siguen haciendo las cosas “como antes”, siguiendo un proceso de creación de animes muy tradicional (eso se nota al ver las pelis, los personajes tienen algo de entrañable). Me ha gustado también que, a pesar de que el vídeo dura poco más de 3 minutos, se destaca bastante la figura del gran Isao Takahata. Éste creó junto a Miyazaki la serie de Heidi, y ambos fundaron en 1985 el Estudio Ghibli. El “talento lacrimógeno” (como muy bien señalan en Cuatro) de Takahata es algo evidente, si alguien ha tenido oportunidad de ver la serie Marco (que no Macross…) o la película de La Tumba de las Luciérnagas (está científicamente demostrado que nadie puede ver esta obra de arte sin derramar una lágrima). En fin, Studio Ghibli morituri te salutant :D

Vídeo aquí